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Forte di un soggetto opera di Dardano Sacchetti, Zampaglione esegue un salto in avanti rispetto a Shadow, portando questa volta sullo schermo una versione gialla di Eyes wide shut. È straniante ritrovare un killer nerovestito, con cappellaccio e guanti neri (Bava docet!), soprattutto quando agisce escogitando diaboliche forme di tormento (i topi, la giostra) e si sofferma a fumare una sigaretta di fronte alla vittima agonizzante. Ma qualcosa, nella seconda parte, non funziona come dovrebbe. Alla fine ne esce un ibrido compiaciuto ma delizioso.

I referenti vengono citati sin dall'inizio, Hostel su tutti. E In the market si muove su quella linea - senza brillare per originalità - con una prima parte stile road movie e scanzonata destinata poi a cedere il passo a un secondo tempo dominato dagli effetti speciali di Stivaletti. E qui sono dolori allo stomaco, perché la regia è di valido effetto e pure gli attori italiani (una volta tanto) riescono a condividere le loro ansie. Su tutto la verosimiglianza dello splatter e la crudeltà di una storia che non ha limiti e - per questo - fa paura.

Horror indipendente italiano, clamorosamente (e ingiustamente) massacrato dalla commisione di revisione cinematografica, che ne impone il divieto di proiezione in sala.

Forse un nuovo punto d'avvio per il cinema di genere italiano. Certo un lavoro certosino, che si concentra sulle atmosfere ed in questo è - forse - ispirato dalla nuova corrente horror ispanica (non a caso in sceneggiatura troviamo Luis Berdejo, già all'opera per Balagueró in [Rec]). L'idea della thanatografia in parte rimanda alla fissa del diabolico pittore delle agonie, quel Buono Legnani di avatiana memoria (La casa dalle finestre che ridono), per primo ossessionato dall'immagine della morte e della sofferenza. L'uso di parole antiche nobilita il film che perde qualche punto solo sul finale. Ottimi gli interpreti e la regia.

Seconda regia, dopo Imago Mortis, opera di Stefano Bessoni. Krokodyle è un film troppo raffinato per incontrare l'attenzione delle distribuzioni home video. Originale e strano, con dialoghi superiori alla media.

POV 2.0. Psychomentary va oltre il livello amatoriale e supera il piano meramente exploitation per veicolare valori "morali" e di "civiltà". Al ritmo di "Troppo poco", cantato da Piotta, Luna Gualano prova a disgustare almeno per metà film; poi la riflessione, mai banale, sui limiti della (in)giustizia ci lascia sorpresi. La breve durata (circa 75 minuti) è valore aggiunto per un tipo di cinema intelligente e capace di sintesi come poche altre volte capita di vedere. Nessuno se lo è filato; a torto perché davvero merita, per contenuti...

Sorpresa piacevole e inattesa (trattandosi di una delle rare produzioni di genere horror italiane) sorretta da un regista (tutt'altro che inesperto in campo cinematografico) in grado qui di farsi perdonare il passo falso di Hell's fever. Perella può contare su una bella sceneggiatura, con dialoghi curati e interpreti in stato di grazia (eccezionale il ruolo di novello villain destinato a un Englund mai così in forma, spaventoso senza alcun trucco). Cinema maturo, intelligente e ben realizzato. Incipit e chiusa splatter per un felice ritorno al miglior gotico.

Dopo Eaters i due cineasti toscani ci riprovano: stavolta hanno a disposizione un budget discreto per un film indipendente ispirato a un videogioco e patrocinato da Uwe Boll. Ottimi effetti speciali (tra l'altro è presente un bravo collaboratore di Stivaletti) non aiutano la pellicola a risollevarsi dalla mediocrità d'un plot americaneggiante nel suo peggior aspetto: dialoghi volgari e futili, sparatorie e scazzottate. Tanta nostalgia per gli anni '80 (infatti vengono alla mente Zombi 3 e Incubo sulla città contaminata).

Un serial killer ispirato da un testo si accanisce su giovani ragazze e coppiette appartate. Sinossi più che completa per un film che non brilla in originalità né di testo né di forma. Nel suo piccolo, grazie anche ai curiosi cammei, ha un certo fascino, valorizzato dalle discrete interpretazioni ma purtroppo risente delle limitazioni delle piccole produzioni: doppiaggio penoso, riprese talvolta amatoriali, citazioni infinite (persino a La casa 4) e - almeno nella versione home video - delitti decisamente censurati. Se si fosse osato di più...

Non sono tre e non sono belle. Ma al pari delle Regine hanno qualcosa di stregonesco. Ispirato da Non aprite quella porta e Ossessione, Luca Magri sceneggia un piccolo gioiello dalle forte potenzialità avatiane (La casa dalle finestre che ridono) purtroppo limitato dai difetti dei film indipendenti: budget limitatissimo, suono in presa diretta e una prima parte decisamente fiacca per location attuali e non d'epoca. Per fortuna c'é Barilli (qui cattivissimo) a mantenere alta l'attenzione; e quella dannata mezz'ora finale è comunque memorabile!

Un chirurgo con fattezze da Jason Voorhees s'aggira tra i boschi per finire a prendere di mira un gruppo di porno attori riuniti per girare un film. Una cronista incaricata di farne un backstage rivede lo spettro della sorella gemella morta a causa del killer in quei paraggi. Non si discute -e non si potrebbe fare altrimenti- la qualità del girato a cui Stivaletti dona prezioso valore inanellando una spettacolare serie di riusciti effetti speciali. Ma meno efficaci sono le musiche del grande Simonetti e amareggia, non poco, lo sviluppo narrativo, ispirato marginalmente a Bava, Hooper e Romero.

Debutto alla regia da parte del giovane Albanesi, già attivo con i Manetti Bros. alla realizzazione di interessanti video-clip musicali, nonché ospite alla trasmissione televisiva Stracult. Il talentuoso regista aveva già girato alcuni interessanti cortometraggi (Braccati, Mummie e L'armadio) grazie ai quali ha raccolto la stima di Stivaletti (che qui ha curato l'ottimo reparto trucchi). Il tentativo di tornare ad un cinema d'altri tempi, ricade nel cliché (L'ultima casa a sinistra), ma il coraggio ed il risultato non mancano.

Rocco (Massimo De Santis) per saldare parte del mutuo, si adegua a svolgere qualunque lavoro. Personaggio altruista, pur introverso e sensibile, verrà a contatto con un inquietante dramma quando si trova a custodire, per una notte, il cadavere di Silvia: giovane figlia di un ricco imprenditore. Atmosfere sottese e cariche di malinconia apparentano questo (bellissimo) lavoro a La ragazza del Lago. La sensibilità degli autori è ottimamente sorretta dalle maestranze tecniche così fotografia, musiche e interpretazioni contribuiscono a rendere memorabile il dramma di un amore impossibile.

Tristi destini, quelli accomunati dal vivere in un ambiente che sembra riflettere le umane sofferenze: un cielo perennemente velato da nubi; vento costante a smuovere alberi dai rami cadenti; strade di montagna, che sembrano essere tracciate da un Dio non proprio benevolo affinché simboleggino i percorsi di vite troncate, finite come i dirupi e le scarpate ai loro margini; e per concludere un Lago, ricolmo di lacrime generate dal dolore, unico vero tema portante di una pellicola di rara efficacia poetica, avallata da una colonna sonora ammaliante.

Un approccio al tema horror sotteso e d'atmosfera: qualcosa che prelude ad un ritorno al "gotico" e al suggerito da parte dei nuovi aspiranti cineasti italiani. Poteva rivelarsi una felice intuizione. Poteva... perché poi il regista (che ha classe e lo dimostra nel non banale uso della M.d.P.) si perde per strada e attinge un po' qua (Blair witch project) ed un po' là (Carpenter) senza riuscire a dare un senso compiuto al lavoro. Soprattutto in chiusa, con un finale ambiguo e non risolto che pone in cattiva luce l'intera operazione. La bella colonna sonora -e non soltanto quella- rimanda di nuovo a John Carpenter.

La guerra porta solo distruzione e morte. La guerra è una catastrofe senza giustificazione per chi la fa e chi la subisce. Si può giocare a fare la guerra? Soprattutto se non si è più bambini, se la ragione dovrebbe farcene intendere le spaventose conseguenze? Produzione italiana d'ampio respiro, con al timone di regia il debuttante (e convicente) Cosimo Alemà e un cast di attori altrettanto validi sui quali si ricorda -per impressionante immedesimazione nonché physique du rôle- Lutz Michael nei panni dell'anonimo e terrificante "uncle". Disturbante, cattivo, cinico, sconsolante e nichilista.

Collettivo composto da 5 episodi che affrontano vari aspetti dell'horror: dalla casa infestata ai brividi tecnologici, passando per spiritismo medianico (omaggio a La goccia d'acqua) e orrori infantili. Chiusa spensierata stile horror anni '80 (Sam Raimi su tutti). Produce (e in parte sceneggia) il bravo Albanesi. Confezione finale decorosa per un indipendente in grado di vivacizzare l'horror antologico. Attori convincenti e regie dinamiche, poco gore e belle storie. Buon risultato finale: peccato solo per la scelta dell'audio in presa diretta.

Dopo aver diretto diversi corti, tra i quali due dedicati a Dylan Dog (L'inizio e Il trillo del Diavolo), D'Antona si getta in pieno nel genere (interpreta, produce, scrive e dirige) supportato dalla brava Annamaria Lorusso. Ne esce un horror un po' troppo contorto e fortemente in debito con lo stile orientale ma pregevolmente diretto.

Un lento, delicato, intimo e pacato viaggio attraverso malinconici sentieri autunnali. Ma non solo mestizia e tristezza sono i sentimenti che accompagnano i protagonisti: la speranza e la voglia di ricominciare, su tutto, eleva il film a livello di paradigma. Cinema essenziale ed esistenziale. Di gran classe.

Piacevole horror italiano che riporta sugli schermi un tipo di cinema troppo a lungo trascurato. Pur tra qualche ingenuità, il regista riesce a comporre un lungometraggio angosciante, tanto quanto visivamente affascinante.

Un omaggio spassionato e coraggioso al celebre fumetto per adulti oggi ricercatissimo tra i collezionisti. Purtroppo il risultato finale non è all'altezza a causa di un budget stringato e ad attori poco più che improvvisati.

Raffaele Picchio abbandona l'horror estremo e, dopo Morituris, compone un film ispirato da miti recenti (Badabook) che incrociano personaggi più classici (Hellraiser). Ne esce un prodotto di qualità, frenato però nel ritmo.

Dopo At the end of the day (2011), Cosimo Alemà torna a dirigere un film pessimista (ma sorprendente) ricco di colpi di scena e azione adrenalinica.

Servillo torna (dopo La ragazza del lago, 2007) a rivestire i panni di un triste indagatore, alle prese con la cieca follia di un omicida senza movente.

Sconclusionato puzzle che riprende intere scene e situazioni da più celebri titoli (Non aprite quella porta, Seed, Venerdì 13), realizzato con maldestri effetti speciali e ridicolizzato da una brutta sceneggiatura.

Due segmenti che affrontano un tema importante, quello della violenza tra consanguinei, ma purtroppo realizzati senza alcun supporto economico. L'idea è ottima, ma alla base manca una adeguata produzione

Un concentrato di luoghi comuni per questo horror italiano, dal respiro internazionale. I buoni propositi si scontrano con un budget modesto e una sceneggiatura poco ispirata. Interpreti (anche americani) decisamente sopra la media per un dimenticabile prodotto destinato all'home video.

Riuscito tentativo di realizzare un tipo di cinema che guarda al passato, per tecnica e stile, ma reso innovativo da una sceneggiatura originale e coinvolgente.

Ispirato da uno dei più violenti fatti di cronaca avvenuti a Roma, Stivaletti compone un dramma che esplode, per gradi e lentamente, in un finale raccapricciante. Un finale che è logica conseguenza di una vita vissuta tra soprusi e ingiustizie, tra delusioni, ricatti e odio.

Un riuscito -e divertente- esempio di sceneggiatura sintetica e coinvolgente (opera del prolifico Antonio Tentori), al servizio di una regia minimalista (dato il budget) ma in grado di fare miracoli data la genesi (davvero indipendente) del progetto. A suo modo, decisamente efficaci anche gli attori.

Il ritorno sulla scena di Mister Cannibal (alias Ruggero Deodato) si rivela essere una cocente delusione. Dello stile e della tecnica di un grande regista, qui rimane davvero poco.

Hotel 666 stelle, con accesso diretto per l'Inferno. Gli ospiti sono pregati di riporre ogni speranza appena entrati: si avvisa la spettabile clientela che le uscite di sicurezza sono definitivamente bloccate. What is this? WHAT THE FUCK!

Produzione Necrostorm del prolifico Giulio De Santi che qui contamina il pulp con lo splatter più sfrenato. Con uno stile unico, alternando bianco e nero a colori, De Santi dimostra un talento non comune sia dietro la macchina da presa che in sceneggiatura. Imperdibile.

Seguito, meno efficace del predecessore, realizzato con il supporto del pubblico (crowdfunding). La surreale ambientazione, nonostante l'ottima tecnica e l'insieme di effetti speciali, questa volta confina l'esperienza della visione in un ruolo troppo passivo, ovvero da spettatore di qualcuno che sta videogiocando. Videogiocando Bene, per carità...

In un mondo apparentemente paradisiaco per gli onesti, si affaccia l'ombra di un Governo onnipresente, onnipotente e -soprattutto- prepotente. Pochi cannibali al Potere, che si cibano -letteralmente, obbligando a fare altrettanto anche al popolo "bue"- degli emarginati e dei più deboli. De Santi, scatenato, produce, scrive, dirige e interpreta.

Un controverso esordio in regia quello di Cristiano Cristopharo, uno dei più interessanti autori non allineati che pagano la loro onestà intellettuale con l'esilio. Restando ingiustamente inediti nel nostro paese.

Prima produzione cinematografica della Necrostorm co-diretta, scritta e interpretata da Emanuele e Giulio De Santi. Priva di una sceneggiatura che possa essere definita tale, doppiata in un pessimo italiano, ma piena di ritmo e curatissimi effetti speciali. Un esordio non comune, in senso positivo.

Un omaggio ai classici del passato con occhio di riguardo al cinema di John Carpenter (La cosa). Giulio De Santi, alla sesta produzione Necrostorm, conferma di essere tra i pochi italiani in grado di fare horror e fantascienza esportabili all'estero.

Web serie di sette episodi per l'occasione composta a lungometraggio. Insolitamente, dato il regista e il titolo del film, per nulla lovecraftiano. Molto ben girato, ma del tutto incomprensibile.

Ulteriore tentativo, nell'ambito del cinema indipendente italiano, di riportare sugli schermi un tipo di horror gotico, privo di effetti speciali, ma con una buona messa in scena e una avvolgente atmosfera.

Il rifiuto di acquistare un biglietto ad un gruppo di artisti di strada può costare salato. Come impara la protagonista di Judy, in seguito assediata in casa senza via di scampo. Seconda e ultima regia di Emanuele De Santi per una una produzione Necrostorm. Cioè a dire sanguinaria.

Un agente di polizia rimane intrappolato in un condominio all'interno del quale una società di ricerca ha scatenato l'Inferno. Fratello gemello di Hotel Inferno, Suite 313 è l'ennesimo horror Necrostorm girato in Italia e destinato al mercato estero. Peccato che un prodotto di questa qualità non trovi adeguata distribuzione sul territorio nazionale.

Streghe, sortilegi, un fiume teatro di macabri rituali e sacrifici umani; simboli magici e una scrittrice in arrivo dall'estero per finire sulle rive di un... torrente che prende il nome di una strega. Una idea interessante, sviluppata in un contesto produttivo veramente difficile.

Horror italiano (addirittura toscano) nato e concepito per il mercato internazionale. Apocrifo della celebre serie con tavolette ouija, si distingue per una impostazione psicologica predominante, in grado di non far pesare l'assenza di effetti speciali o -spesso inutili- jump scares prodotti da botti sonori.

Una confezione di lusso, con interpreti professionali e una regia meticolosa per un lungo melodramma che a malapena sfiora il genere horror solo per via di una conclusione che sembra essere piuttosto improvvisata.

Angosciante esordio in regia per Paolo Fazzini, già autore di un libro e un documentario sul cinema horror italiano. Mad in Italy è un film girato in massima economia ma che, per originalità, impegno e risultato, merita di essere posizionato al fianco dei grandi classici.

Esordio in regia per un'autrice particolarmente ispirata, che riesce a tradurre in film un'affascinante sceneggiatura. Coproduzione tra Italia e Irlanda, girata nel 2013 come Controra e riproposta recentemente al Trieste Science+Fiction Festival come Midday demons.

Interessante esordio in regia per Emanuele Ranzani, regista torinese che gira un film dal respiro internazionale ma in forte debito con l'horror italiano anni '70/'80.

Opera prima (ahinoi, non ultima) d'un tecnico tedesco (ma di stanza in Italia) degli effetti speciali. Opprimente per l'uso sconsiderato della CGI, una sceneggiatura confusionaria e una regia schizofrenica al limite dello snervante (con tagli bruschi ogni cinque secondi di scena). Passato al Fantafestival nel 2015, è stato ben accolto in Giappone.

Quinta regia dei toscani Boni & Ristori, di nuovo patrocinati da Uwe Boll. Questa volta, grazie alla bella sceneggiatura di Raffaele Picchio (Morituris), i due registi realizzano un film in cui l'atmosfera e le valide interpretazioni sopperiscono alla prevedibilità di un soggetto più volte sfruttato cinematograficamente.

Seconda regia -dopo Fairytale- della coppia Bisceglia/Malgarini, per un horror italiano (girato in inglese) che vede coinvolta anche Rai Cinema.

Pagliacciata (traduzione letterale del titolo) italiana pseudo horror che non spaventa neppure un bambino, girata con supponenza in inglese e destinata anche al mercato americano. Risultato agli antipodi dei più celebri titoli nostrani opera dei vari Bava, Fulci e Argento. Uno dei film nostrani più brutti degli ultimi anni... e ce ne vuole!

Omaggio alla serie spagnola sui "resuscitati ciechi" da parte di Raffaele Picchio, il controverso regista che ha esordito con Morituris (2011). Girato direttamente in inglese per il mercato internazionale, Curse of the blind dead è un sincero e riuscito omaggio alle atmosfere horror Anni '70 opera dell'ispirato Amando De Ossorio (1918 - 2001).

In trappola ci resta chi si mette a visionare questo horror - ahinoi italiano - ispirato dai peggiori modelli americani. Una sceneggiatura incredibile, sviluppata su un set ben poco illuminato per un film in grado di offrire una esperienza di visione "inebriante" e cavaocchi!