Playlist film

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"VIAGGIO AL PIANETA VENERE mi è stato raccomandato da Michael Chapman, il mio cameraman, mentre stavamo girando TAXI DRIVER. Aveva l'abitudine di farlo vedere ai suoi figli ogni domenica mattina. C'è una sequenza in assenza di gravità che lo rende molto «avant-garde». Due gangsters si prendono a botte, e quando manca la gravità parlano in slow motion. Uno di loro spara con una pistola e il proiettile va al rallentatore e alla fine cade. È surrealismo totale, tutto il film. Questi due si presero un sacco di rischi e, nel farlo, trovarono delle cose inattese. È un film che vale la pena di vedere, quanto meno la domenica mattina." ~ Martin Scorsese

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"LA CAMPANA HA SUONATO è un B-movie diretto da Allan Dwan, uno dei pionieri senza storia che aveva realizzato il primo dei suoi 400 film nel 1911. Alla fine della sua lunga carriera, fu relegato alla realizzazione di filmetti di genere a basso costo. Ma come si può non ammirare la bellezza delle riprese con il carrello che letteralmente guidano un disperato John Payne verso il suo ultimo rifugio, la chiesa della città. I più bei film di Dwan mettevano in primo piano la gente semplice, i paesaggi di pastori, e l'America rurale di un'epoca passata. Eppure, dietro le immagini liriche del vecchio West LA CAMPANA HA SUONATO suggerisce la fragilità delle nostre istituzioni democratiche. Il giorno del suo matrimonio John Payne dovrebbe essere l'uomo più felice di Silver Lode. Deve invece combattere per la sua vita quando viene accusato ingiustamente di un delitto e messo al bando dalla comunità. Con coraggio, la futura moglie del fuggitivo riesce a convincere la cittadinanza che lui non è colpevole, falsificando un mandato federale. Saranno la campana della chiesa e una frode a salvare la coppia. Perseguitato per ragioni sbagliate, Payne è perdonato per ragioni sbagliate. Erano i tempi delle liste nere; i messaggi politici dovevano essere contrabbandati – travestiti da metafore. Infatti il nome del malvagio interpretato da Dan Duryea era McCarthy." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Un film totalmente non sentimentale di Phil Karlson che segue da presso la vera storia di corruzione su larga scala, intimidazione, razzismo, e terrificante brutalità nella un tempo famigerata città di Phenix City, Alabama – dove sono stati girati gli esterni...in 10 giorni! Rapido, furioso e determinato." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Un film realizzato splendidamente, con dei colori e un Cinemscope gloriosi, diretto e interpretato da Jack Webb nel ruolo di un suonatore di cornetta degli anni '20 la cui vita professionale viene infettata e ribaltata completamente da un gangster di Kansas City (Edmund O’Brien). Questo tipo di situazione accadeva continuamente negli anni delle big-band e più in là nell'era del doo-wop. È una situazione che è anche al centro di AMAMI O LASCIAMI, un altro duro musical in Cinemscope fatto intorno agli stessi anni." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Con un budget incredibilmente basso, questo film ha raccontato l'intera storia dell'FBI, con Pretty Boy Floyd, Ma Barker, Bonnie and Clyde, etc. È molto episodico, molto documentaristico. C'è un momento in cui Ma Barker sa che deve uccidere il marito, gli dice di andare nel bosco; lui va; dissolvenza su una mitragliatrice; dissolvenza di nuovo e Ma è nella macchina. È un film incredibile. Bisognerebbe studiarlo, perché mostra come si fa un film a basso budget." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Budd Boetticher ha esplorato l'essenza stessa del western. Il suo stile era semplice come i suoi eroi impavidi – di una falsa semplicità. Tutti gli archetipi erano distillati fino all'astrazione. La corrida fu il primo amore di Boetticher. Il suo forte era la coreografia delle passioni umane essenziali. Nei sette western che realizzò con Randolph Scott, Boetticher diede sempre la precedenza al personaggio piuttosto che all'azione. Ogni avventura era una partita a poker e le mosse complesse dei giocatori erano più importanti della posta in gioco. Nel gioco di potere, l'eroe e il cattivo erano figure complementari: condividevano la stessa solitudine, gli stessi sogni, e perfino lo stesso codice etico. In qualche modo il gentleman e il desperado erano affascinati uno dall'altro." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE

(Da culture.pl): L'azione si svolge in un'imprecisata spiaggia sul Mar Baltico. In uno spazio quasi vuoto si incontrano due estranei. Lui ha 28 anni, lei un po' di più ma non vuole precisare la sua età. Inizialmente la donna risponde aggressivamente alla corte del ragazzo, ma col tempo tra i due si forma una relazione più stretta. Si scopre che il ragazzo ha seguito la ragazza per due settimane e durante questo periodo si è innamorato di lei. Lei non vuole impegnarsi in una relazione di acun tipo e preferisce tornare a casa quello stesso giorno. Creando una storia poetica e minimalista focalizzata sull'osservazione di due ragazzi, Konwicki divenne il precursore della narrazione filmica moderna, con un anno d'anticipo rispetto alla fondazione della Nouvelle Vague. Non conosciamo il nome dei protagonisti nè il loro passato, i dialoghi sono scarni e la trama è ridotta, ma da gesti, occhiate e frammenti di frasi possiamo intuire alcune informazioni. Apprendiamo infine che la riservatezza della ragazza è dovuta alla morte dell'amato durante il conflitto bellico. Konwicki non fa riferimento al quadro storico più ampio, ma analizza invece come la guerra ha influenzato la materia delicata dei sentimenti umani, accrescendo la diffidenza reciproca e creando tensione nelle relazioni. THE LAST DAY OF SUMMER può essere considerato un ritratto della generazione postbellica e delle sue ferite, ma prima di tutto è una storia ancora attuale sul conflitto tra bisogno d'intimità e paura degli altri.

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Questo è uno dei film che più mi ha influenzato. Volevo inserire una clip di ASSASSINIO PER CONTRATTO in MEAN STREETS ma ho dovuto lasciarla fuori: era troppo lunga e un po' troppo esoterica. E c'è una scena in cui il protagonista si mette in forma facendo esercizio nella sua stanza d'hotel che è molto simile a quella in TAXI DRIVER. Lo spirito di ASSASSINIO PER CONTRATTO ha molto a che fare con TAXI DRIVER. Lerner era un artista che sapeva come fare le cose in maniera essenziale, come Bresson e Godard. È un film che ci fa vergognare tutti quanti per la sua economia di stile, specialmente all'inizio, nella scena dell'omicidio dal barbiere. Vince Edwards dà una meravigliosa interpretazione nella parte del killer che non riesce ad assassinare una donna. Ho potuto conoscere un poco Irving Lerner, è stato supervising editor in NEW YORK, NEW YORK, sfortunatamente è deceduto prima che finissimo la post-produzione. Era molto affascinante, aveva lavorato in alcuni progetti interessanti, come SPARTACUS, UOMINI IN GUERRA di Anthony Mann, e aveva diretto diversi film interessanti come un adattamento di “Studs Lonigan” (VIVI CON RABBIA) e anche CITY OF FEAR, ma ASSASSINIO PER CONTRATTO spicca davvero come qualcosa di unico. Con Howard Shore abbiamo studiato la scarna e ipnotica colonna sonora per chitarra elettrica e il suo ruolo nell'azione quando abbiamo fatto THE DEPARTED. Tra l'altro, la colonna sonora ricorda ovviamente IL TERZO UOMO...e la musica riflette la sensazione che che il protagonista sia preso in un circolo sempre piu stretto di fato e destino. (...) ASSASSINIO PER CONTRATTO era uno dei film preferiti dai ragazzi del mio quartiere, anche da quelli che non sapevano niente di cinema. Lo amavano semplicemente perché avevano riconosciuto che aveva qualcosa di speciale e unico. (...) È un esempio di film americano di serie B che era 100 volte meglio del film a cui era associato nel doppio spettacolo. Il film con cui lo proiettavano quando lo vidi era IL VIAGGIO di Anatole Litvak, con Yul Brinner. Quel film aveva dei bei colori, ma quando ASSASSINIO PER CONTRATTO comparve sullo schermo, fu sorprendente e snello e deciso, e diverso da qualunque altra cosa avessi visto. Quando l'ho rivisto anni dopo sono stato sopraffatto dalla severità del suo stile." ~ Martin Scorsese  

consigliato da   MARTIN SCORSESE  

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"Questo acuto e sobrio film low-budget di Richard Wilson, uno dei più stretti collaboratori di Orson Welles, merita di essere conosciuto meglio. Rod Steiger è brillante come Al Capone – affascinante, rozzo, brutale, ambizioso. Non c'è traccia di sentimentalismo. Wilson ha fatto anche un altro notevole film di genere crime, PAGARE O MORIRE, sulla Mano Nera a Little Italy subito dopo l'inizio del secolo." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Prima di IL FALSO TRADITORE, la maggior parte dei film di guerra erano in bianco e nero – l'influenza di Rossellini e del neorealismo. Ci eravamo abituati. Poi, all'improvviso, arriva questo film: intelligente, realizzato in maniera splendida, dispendioso, le sue svolte narrative basate su incidenti reali, fantastiche interpretazioni di William Holden e Lilli Palmer – e tutto con colori vivaci. Per dei ragazzini cresciuti sui campi di battaglia in bianco e nero dei cinegiornali, l'uso del colore qui – specialmente il colore rosso, che è molto importante – dette al film una presenza e un'immediatezza che ci terrorizzò." ~ Martin Scorsese 

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"Un gruppo di uomini vive isolato in una stazione petrolifera nel deserto. C'è una forte insinuazione di omosessualità tra di loro – e poi in una straordinaria sequenza, entra in scena questa sirena (Carroll Baker) insieme al marito, e tutti gli uomini cercano di uccidersi a vicenda. La desolazione e la lurida qualità complessiva è meglio di qualsiasi cosa prodotta dal National Enquirer. Il montaggio e l'uso di dialoghi sovrapposti sono meravigliosi; Set Holt cominciò la sua carriera nel cinema come montatore. Qui si percepisce una papabile sensazione d'essere bloccati in un posto. E si capisce com'è vivere in una società di persone lontana da tutto." ~ Martin Scorsese

Nel 1993 il Lincoln Center di New York e Martin Scorsese organizzarono la rassegna "Mean Screens", una serie di proiezioni in “doppio spettacolo” in cui Scorsese presentava ogni suo film associato a film di altri che lo aveva influenzato. AVAMPOSTO SAHARA fu accoppiato con RE PER UNA NOTTE. Secondo le parole di Scorsese entrambi i film riguardavano "una battaglia di nervi."

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"Tutti i film di Wajda fecero colpo su di me. Ogni volta che avevo l'opportunità di vederne uno rimanevo impressionato dalla sua maestria. Ho amato anche i film di Jerzy Kawalerowicz: IL TRENO DI NOTTE, MADRE GIOVANNA DEGLI ANGELI e in particolare IL FARAONE, che aveva un approccio nuovo al film storico. I film di Wojciec Has, LA CLESSIDRA e più tardi IL MANOSCRITTO TROVATO A SARAGOZZA, mi hanno veramente sorpreso. Andrzej Munk l'ho recuperato un po' più tardi, e poi, ovviamente, i primi film di Skolimowski e Polanski. Gli anni '50 e '60 sono stati un gran periodo per il cinema polacco...un gran periodo per il cinema, punto. Col cinema polacco, quello che su di me fa effetto è la mistura di passione, meticoloso artigianato, composizioni dinamiche di grande profondità focale, dilemmi morali e conflitti religiosi, il tutto fatto spesso con gran senso dell'umorismo. Umorismo e tragedia sono molto vicini nel cinema polacco." ~ Martin Scorsese 

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"Nella sequenza d'apertura, Michael Caine guida una jeep con un cadavere a bordo, e c'è una marcetta italiana in sottofondo. Da subito sai che stai per assistere a qualcosa di unico. I SETTE SENZA GLORIA non è un film sadico, ma è meschino. I personaggi non hanno alcun valore sociale che li riscatti, una cosa che amo. In una sequenza, fingono di essere sodati italiani per ingannare degli arabi; uno degli arabi nota qualcosa di strano in loro, così prendono le armi e sparano a tutti gli arabi. Non pensano, agiscono solo. Hanno un lavoro da fare, e lo porteranno a termine. Nichilismo, pragmatismo...è spaventoso." ~ Martin Scorsese 

consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Questo film – Rod Taylor contro i Mau Mau – era il più violento che avessi visto fino a quel momento. C'è una scena in cui Taylor combatte contro un ex nazista  con una sega elettrica. In un'altra scena un treno pieno di rifugiati  è finalmente riuscito a sfuggire ai Mau Mau della valle sottostante e quando sta per raggiungere la cima della collina perde potenza e scivola indietro, e i rifugiati vengono macellati. È un film veramente sadico, ma bisognerebbe vederlo. Credo che molti l'abbiano trovato imbarazzante per via del suo scoperto razzismo, così si è preferito ignorarlo. Il senso del film è intollerabilmente violento; non c'è considerazione per nient'altro. La risposta a tutto è: uccidere." ~ Martin Scorsese 

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"Mi piaceva com'erano illuminati i film di Fassbinder. Avevano una specie di look neorealista, malgrado l'accuratezza delle inquadrature. E un tono drammatico,  malgrado la luce diffusa e senza ombre. Forse non capisco molto i film di Fassbinder, forse non sono la persona più adatta. Ma IL MERCANTE DELLE QUATTRO STAGIONI mi ha influenzato molto – la durezza complessiva, la durezza delle inquadrature, specialmente nella scena in cui la moglie sta facendo l'amore con un altro uomo e arriva il marito, quando litigano. C'è una franchezza inflessibile, nel tono come nelle luci. Anche se poi in altri momenti la fotografia ricorda quella di un film di Douglas Sirk. E da lì ho capito che mi sarebbe piaciuto lavorare con Michael Ballhaus (direttore della fotografia - ndt). (...) Ho visto i film di Fassbinder – amo BERLIN ALEXANDERPLATZ, ma molte cose non le capisco. È troppo lontana da me, in quel senso, la roba di Fassbinder, proprio non la capisco. Ho visto anche LE LACRIME AMARE DI PETRA VON KANT. Ma quel che aveva IL MERCANTE DELLE QUATTRO STAGIONI era una specie di brutale onestà nel modo in cui la cinepresa guardava i personaggi – gli attori – e non necessariamente nelle scene melodrammatiche. E mi ha fatto capire che si poteva fare qualsiasi cosa, veramente. Proprio di tutto, a patto di essere onesti a riguardo. Sono immagini oneste. Sono come le foto della polizia – le foto di una scena del crimine. C'è in loro una certa obiettività. Come sceglie l'angolo il fotografo di una scena del crimine? Dice: «Questa verrà bene...»? Oppure dice: «Ecco qua! La vita e la morte insieme.» Questo è l'impulso che mi ha dato il film di Fassbinder." ~ Martin Scorsese 

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"WAKE IN FRIGHT è un film profondamente – e sottolineo profondamente  – destabilizzante e inquietante. Lo vidi alla première a Cannes nel 1971, e mi lasciò senza parole. Dal punto di vista visivo, drammatico, atmosferico e psicologico è splendidamente calibrato e ti entra sotto la pelle un incontro alla volta, mentre accompagni il protagonista interpretato da Gary Bond. Sono entusiasta che WAKE IN FRIGHT sia stato conservato e restaurato e che finalmente possa avere la visibilità che merita." ~ Martin Scorsese  

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consigliato da   MARTIN SCORSESE 

"Barbara Hershey interpreta una donna che viene brutalmente violentata e soggiogata da una forza invisibile in questa pellicola genuinamente terrificante. L'ambientazione banale, una casa californiana moderna, accentua le sue qualità snervanti." ~ Martin Scorsese 

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THE REGENERATION  (Raoul Walsh, 1915, USA)    A lungo creduto perso fino al ritrovamento da parte del Museum of Modern Art, THE REGENERATION non solo segnò la nascita del film gangster, ma fu anche uno dei pochi film ad usare vere locations newyorchesi (nello specifico i malmessi caseggiati della Bowery) per dare autenticità alla sua ruvida parabola di ascesa e caduta. La storia segue le vicende del piccolo Owen da quando a dieci anni perde la madre e si ritrova ospite di alcuni vicini di casa. Quando appare evidente che hanno solo bisogno di un servo Owen scappa, preferendo comunque dormire per strada. Entro qualche anno capisce che può ottenere ciò che vuole con la forza,  ma dietro i muscoli mantiene un buon cuore, tanto che uno dei suoi primi atti di violenza è per difendere un disabile. A venticinque anni Owen (ora interpretato da Rockliffe Fellowes) è già il leader della sua gang e un giorno usa il suo potere per risparmiare un gruppo di ricconi in trasferta a caccia di scenari pittoreschi. A convincerlo è lo sguardo implorante di Marie (Anna Q. Nilsson), giovane superficiale che però proprio in quella circostanza realizza la sua vocazione e comincia a dedicare tutta se stessa al volontariato nei bassifondi. Owen osserva da distanza le sue opere di bene, è attratto da lei ma troppo legato alla vita criminale per pensare di potersi "rigenerare". Marie comincia a contraccambiare il suo interesse e si impegna per fargli cambiare strada, ma a complicare le cose ci si mette anche Skinny (William Sheer), il secondo in comando della gang, che vuole tenere Owen nei bassifondi semplicemente perché non sopporta la bontà e i suoi alfieri. ~ (moviessilently.com)

"Il film gangster precedette la prima guerra mondiale con film come THE MUSKETEERS OF PIG ALLEY di D. W. Griffith e THE REGENERATION di Raoul Walsh, che fu girato in esterni, a New York, nel Lower East Side. I gangster allora erano visti come le vittime di un ambiente degradato, ragazzi di quartiere cresciuti nelle «mean streets» (strade senza legge). (...) Quando mia madre era una ragazza, quegli orribili caseggiati dei «Five Points» (dov'è ambientato anche GANGS OF NEW YORK di Scorsese - ndt) erano ancora in piedi. Walsh vi girò parte di THE REGENERATION. È un film magnifico, duro, implacable. Walsh conosceva davvero la gente dei Five Points...quel che rimaneva dei Five Points, e alcuni di loro li mise nel film. Walsh conosceva la gente, capiva il loro folklore. Sapeva come ordinavano una birra al bar, come si muovevano, come si vestivano. Capiva personaggi come Chuck Connors, l'uomo che inventò il concetto di racket. Organizzava grandi feste a cui invitava i poliziotti. Per Walsh, che era irlandese, tutto ciò era un po' una seconda natura. Un po' com'è successo a me col mondo italoamericano. " ~ Martin Scorsese 

POTENZA E GLORIA  (William K. Howard, 1933, USA)     Alle esequie di Tom Garner (S. Tracy), odiatissimo presidente della Chicago and Southwestern Railway, soltanto Henry (R. Morgan), suo segretario e amico da una vita, lo ricorda con affetto. È lui che fa da narratore dei vari episodi (flashback) che, senza susseguirsi in ordine cronologico, riepilogano la vita di Garner fino al suicidio della moglie (C. Moore) e dello stesso Tom. Scritto per la Fox dal 35enne Preston Sturges che fu il primo sceneggiatore di Hollywood a ottenere il totale controllo sul proprio lavoro e a strappare una percentuale sugli incassi, il film fu un fiasco al botteghino, ma oggi è considerato un classico e un precursore per la tecnica narrativa mista di flashback e – novità assoluta – di una voce fuori campo che in quell'occasione fu definita "narratage". Citizen Kane (1941) gli deve molto come lo stesso Welles riconobbe. Persino la fotografia di James Wong Howe anticipa quella di Gregg Toland. Il titolo è preso dall'ultima frase del Padre Nostro ("Tua è la potenza e la gloria") nella versione protestante, ripresa da Graham Greene nel suo romanzo di ambiente messicano del 1940 portato sullo schermo da John Ford (La croce di fuoco, 1947). ~ (il Morandini) 

BLOOD MONEY  (Rowland Brown, 1933, USA)     Il terzo film prodotto dalla 20th Century Pictures, BLOOD MONEY, vede George Bancroft nella parte di un losco garante per cauzioni di criminali che s'innamora di una giovane cleptomane di buona famiglia (Frances Dee). La ragazza, affetta da una “mania malavitosa” spasima per trovare un uomo forte che la domini. Non passa molto prima che conosca uno dei clienti di Bancroft, un criminale che si dà il caso sia anche il fratello della sua donna di lungo corso, interpretata da Judith Anderson. La Dee finisce per ingannare Bancroft e questo porta a una grossa incomprensione e a un alterco tra il garante e i suoi contatti nella malavita. BLOOD MONEY è un film selvaggio, anche per un film pre-codice Hays, in larga parte per merito del personaggio della giovane cleptomane e dell'interpretazione che ne dà Frances Dee. Rowland Brown diresse solo tre film, ma se questo melodramma criminale è un'indicazione, possedeva un magistrale senso della storia e un'arguzia sorprendentemente scontrosa. ~ (immortalephemeral.com + chicagoreader.com)

"Rowland Brown, figura ampiamente dimenticata, realizzò tre film duri e sardonici nei primi anni '30, ciascuno di essi è illuminante riguardo a politica cittadina, corruzione, e intimità tra poliziotti e criminali. Questo è il mio preferito. Il finale è indimenticabile." ~ Martin Scorsese

NOZZE AGITATE  (Allan Dwan, 1945, USA)     Dennis O'Keefe, sposato di fresco con la deliziosa Sheila Ryan, è nei pasticci. L' ex ragazza di O'Keefe, la danzatrice esotica Marie McDonald, ha in suo possesso una giarrettiera ornata di pietre preziose donatale da O'Keefe nei suoi giorni da scapolo. La McDonald intende mostrare la giarrettiera  alla sospettosa moglie di O'Keefe, così il nostro eroe deve recuperare l'imbarazzante accessorio senza che la sua signora venga a saperlo. NOZZE AGITATE fu uno dei tre fortunati adattamenti di classiche farse ad opera di Allan Dwan per il produttore indipendente Edward Small. Dwan disse a Peter Bogdanovich che queste commedie frenetiche e blandamente risqué furono il suo contributo allo sforzo bellico: erano opere d'evasione fatte per distrarre il pubblico dalle preoccupazioni. ~ (letterboxd.com)

Scorsese ha citato NOZZE AGITATE come un'influenza per il suo AFTER HOURS: "Mi sono sempre piaciute le due farse di Allan Dwan – NELLA CAMERA DI MABEL e NOZZE AGITATE. Mi piace come i diversi rami delle vicende si snodano e s'intrecciano, e come quei personaggi finiscono per trovarsi in quelle ridicole situazioni. (...) Ho sempre voluto fare un film che avesse questa sorta di «effetto scatole cinesi», in cui continui ad aprirne ed aprirne e poi finisce che ritorni al punto di partenza."

IO AMO  (Raoul Walsh, 1947, USA)     Ci sono molti artisti fittizi nel cinema, ma pochi la cui presenza è inquietante e stimolante quanto quella del pianista jazz interpretato da Bruce Bennett nel musical crime-drama IO AMO. Bennett, caratterista in molti film noti (inclusi IL ROMANZO DI MILDRED e IL TESORO DELLA SIERRA MADRE), ha uno sguardo gelido e una voce piatta, vuota (simile a quella di Gary Cooper) che gli danno l'aria della persona profonda ma spezzata. Nel ruolo di Petey Brown, la donna che lo ama, c'è Ida Lupino, che trasmette una durezza scaltra, di strada, provata dalla vita che porta con sé la saggezza di conoscere le regole e i limiti dell'amore. E Walsh, un maestro di stoicismo sarcastico e riservato, sommerge la tragedia della loro relazione in un paio di sguardi sommessamente angosciati. La distrazione monosillabica di Bennett accenna a un dolore insondabile, un dolore così vasto e crudo da non poter essere incanalato nell'arte. ~ (newyorker.com) 

"IO AMO è dark – è un musical noir, ed è quello a cui miravamo per NEW YORK, NEW YORK. (...) Sia MUSICA PER I TUOI SOGNI di Curtiz che IO AMO di Walsh sono musical noir su cantanti da nightclub; entrambi sono stati d'ispirazione. E tra l'altro la ripresa di New York che ho usato per i titoli d'apertura in NEW YORK, NEW YORK l'ho presa dai titoli d'apertura di IO AMO." ~ Martin Scorsese 

ALWAYS LEAVE THEM LAUGHING  (Roy Del Ruth, 1949, USA)     Kip Cooper (Milton Berle) è un comico sconosciuto che si eibisce in pubblico ad Asbury Park (New Jersey) provocando più sbadigli che applausi. Un giorno ottiene un appuntamento galante da Fay, anche lei in cerca di successo nel mondo dello spettacolo, e viene a sapere che i suoi genitori un tempo facevano un numero di vaudeville che Kip sa ancora a memoria. Kip convince Fay a riproporre insieme a lui il vecchio numero, ma quando gli viene offerto un ingaggio che non prevede la presenza di Fay, Kip la scarica ottenendo però solo un flop nonché il furto del suo compenso. Fay, in cerca di un lavoro, si unisce al coro dello spettacolo itinerante di un comico dei vecchi tempi, Eddie Eagen. Kip invece si interessa alla giovane e bella moglie di Eagen e quando il maturo comico si ammala, Kip finisce per prendere il suo posto. Eagen tenta di rientrare quando lo show arriva a New York ma collassa sul palco, lasciando a Kip un'occasione d'oro per far decollare la sua carriera. ~ (Wikipedia) 

"Milton Berle è l'archetipo del comico molto ruvido e sgradevole. Questo film dipinge in modo chiaro il tipo di personaggio che era Berle – il vero Milton Berle. Trovo i comici molto affascinanti; c'è così tanta sofferenza e paura in questo mestiere, e questo è uno dei film più onesti sui comici. Ammiro il coraggio che ha avuto Berle di fare un film autobiografico su una persona completamente antipatica. A dire il vero, credo che Berle abbia anche completato la regia del film quando Del Ruth si ammalò a tre quarti della lavorazione." ~ Martin Scorsese 

STUPENDA CONQUISTA  (John Boulting, 1951, UK)     William Friese-Greene, un giovane aiutante fotografo con tanta fantasia e talento, ha davanti a sé un avvenire radioso. La sua fidanzata, Helena, lo spinge a rischiare e a licenziarsi dallo studio in cui lavora per aprire un'attività in proprio. William le dà ascolto e, dopo un inizio incerto, la sua attività prende il via e lui diviene il fotografo più ricercato dall'alta società londinese. Messosi in società con Jack Carter, William, che ha intuito le potenzialità del cinematografo, comincia a fare esperimenti su di esso. Le sue ricerche, benché coronate dal successo, esauriscono le sue finanze e lui e Helena attraversano una grave crisi economica. Quando Helena, ancora giovanissima, muore improvvisamente, William è scosso dal dolore, ma continua a lavorare. Dopo qualche tempo conosce Edith, una giovane guantaia, e la sposa. Dal loro matrimonio nascono tre figli e, mentre William si concentra in esperimenti sulla validità del film a colori, la famiglia versa in sempre più frequenti crisi economiche. Allo scoppiare della prima guerra mondiale, per non essere di peso alla famiglia, tutti e tre i figli si arruolano nell'esercito inglese. Edith, per non compromettere ulteriormente il loro avvenire, benché ami ancora molto suo marito, decide di lasciarlo. Nel 1921 William muore dopo aver realizzato il suo sogno: un film a colori. ~ (cinematografo.it)

"L'impatto più importante del cinema inglese e una delle mie prime esperienze cinematografiche risale a un film intitolato STUPENDA CONQUISTA. Per quel che ne so, è l'unico film mai realizzato sull'invenzione del cinema. Fu anche il contributo dell'industria cinematografica inglese al Festival of Britain del 1951, che coincise con il cinquantenario del cinema inglese. Per me era un momento straordinario per vedere quel film! Avevo dieci anni. Mio padre mi portò a vederlo all'accademia della Musica di New York, nel 1953. Per me si trattò di una rivelazione. C'è una scena in cui Friese-Greene spiega il concetto di persistenza delle immagini retiniche, che è proprio l'essenza del cinema. Lo descrive alla fidanzata facendo scorrere molto rapidamente una serie di disegni che ha abbozzato sul margine di un libro: tutte queste immagini sono separate, statiche, ma quando si susseguono rapidamente si muovono come per miracolo. Quella è stata la prima volta che ho capito che cos'erano i film. Quei film che mi appassionavano da sempre – anche se avevo solo dieci anni: e ad un tratto ho capito come si faceva a fabbricarli. Da quel momento non sono più stato la stessa persona. (...) Mi è sembrato molto commovente che mio padre, un operaio di sartoria, abbia voluto vedere un film sulla nascita del cinema. Questo mi fa pensare all'universalità del cinema, al fatto che il suo potere possa superare ogni tipo di frontiera e rivolgersi a qualunque persona sulla faccia della terra. Inutile dire che mio padre non poteva prevedere l'impatto che quell'opera avrebbe avuto su di me." ~ Martin Scorsese 

TAKE CARE OF MY LITTLE GIRL  (Jean Negulesco, 1951, USA)     Liz (Jeanne Crain) è una ragazza giovane e ingenua appena uscita dall'high school. Insieme alla migliore amica Janet (Beverly Dennis) si iscrive alla Midwestern University, dove un tempo sua madre era stata una leggenda tra gli studenti. Liz e Janet sognano di essere accettate dall'associazione studentesca "Tri-U", ma se Liz non ha problemi a diventare unaTri-U, Janet al contrario non fa colpo sul gruppetto di snob e, affranta per essere stata respinta, decide di lasciare il college. In seguito Liz conosce Joe e Chad, il primo è un ex soldato all'ultimo anno di college che non vede di buon occhio le cricche delle associazioni, il secondo ha la reputazione del playboy sbevazzone, ma è anche uno dei ragazzi più popolari tra le confraternite. Liz viene spinta da una "sorella" della Tri-U a uscire con Chad e si affeziona a lui al punto di accettare di aiutarlo a barare ad un esame. L'impresa è acclamata dalle sorelle ma disapprovata aspramente dall'etico Joe. Arriva poi la "Settimana Infernale" che prevede umilianti e crudeli scherzi ai danni delle matricole. Mentre porta a termine i suoi sciocchi compiti Liz s'imbatte in Joe e lo segue a una festa. Chad viene a sapere che i due sono insieme, li raggiunge e cerca di vendicarsi con Liz ma Joe la difende finendo per fare a botte col rivale. Liz capisce che è Joe che vuole e si dimette dall'odiosa confraternita. ~ (Wikipedia) 

Scorsese ha segnalato TAKE CARE OF MY LITTLE GIRL tra le influenze per il suo ALICE NON ABITA PIÙ QUI: "TAKE CARE OF MY LITTLE GIRL ritrae la ribellione di una studentessa che sceglie di non far parte della confraternita snob e senza principi che già era stata della madre. Ho trovato il film di Negulesco interessante per quel che dice a proposito del conformismo nell'America dei primi anni '50. Se si sorvola sulle convenzioni di quell'epoca, come ad esempio far recitare a delle trentenni la parte delle universitarie ventenni, si può godere di questo film e non trovarlo ridicolo." ~ Martin Scorsese 

I CAVALIERI TEUTONICI  (Aleksander Ford, 1960, Polonia)     Ambientato nella Polonia a cavallo tra il quattordicesimo e il quindicesimo secolo, è la storia di un giovane nobile impoverito che insieme a suo zio ritorna dalla guerra contro l'ordine dei cavalieri Teutonici in Lituania. Il giovane s'innamora di una donna bellissima e fa voto di portarle «tre trofei» strappati ai Cavalieri Teutonici. Il film attirò masse di spettatori e rimane uno dei film più visti della storia polacca: vendette 14 milioni di biglietti in 4 anni, fu esportato in 46 nazioni e fece 29 milioni d'ingressi in Unione Sovietica. ~ (Wikipedia + letterbox.com) 

TO KILL THIS LOVE  (Janusz Morgenstern, 1972, Polonia)     La storia ruota principalmente attorno alla giovane coppia di innamorati Magda e Andrzej. Dopo le scuole superiori ad entrambi manca il punteggio necessario per potersi iscrivere all'università. Magda ha la possibilità di cominciare gli studi di medicina l'anno successivo se lavora nel frattempo come assistente all'ospedale. Andrzej a sua volta vorrebbe trovarsi un lavoro mentre si prepara per l'esame d'ingresso alla facoltà di "tecnologia". I due ragazzi desiderano vivere insieme ma non possono permetterselo, per cui Andrzej finisce per farsi ospitare da un amico e Magda per stare a casa del padre e della sua giovane compagna, i quali però attraversano un momento burrascoso che aumenta il disagio della convivenza. Andrzej viene assunto in un'autofficina e col lavoro trova anche un'amante nella moglie del suo nuovo capo. Magda scopre il tradimento e la storia tra i due rischia di andare in pezzi. Come se non bastasse Andrzej ruba un prezioso crocefisso all'amante per venderlo al mercato nero, ma il suo capo viene a sapere sia del furto che della relazione tra Andrzej e la moglie. "Se dovessi specificare il genere del film," ha detto l'autore della sceneggiatura Janusz Glowacki, "direi che il film appartiene al genere della commedia drammatica. Volevo mostrare alcune variazioni dell'amore che si influenzano a vicenda, tipi di amore molto diversi: splendido, divertente, patetico, rassegnato. Volevo che questo film fosse tanto triste quanto divertente. Tanto lirico, quanto ironico." All'uscita il film fu criticato da molti per il suo cinismo e trovò spazio solo in un ristretto numero di cinema d'essai. ~ (culture.pl) 

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"Il primo film che vidi al cinema di cui ricordo il nome è DUELLO AL SOLE. La rassicurante oscurità della sala fu improvvisamente squarciata da un'esplosione stravagante di colori vivaci, seguita da parecchi colpi di pistola: i titoli d'apertura del film. Era il 1946, avevo 5 anni. Di solito era mio padre a portarmi al cinema, ma quella volta fu mia madre. Il film era stato condannato dalla Chiesa ed era stato soprannominato «Lust in the dust» (lussuria nella polvere). Penso che la mamma mi abbia usato come scusa per vederlo lei. (...) Fu una grandiosa esperienza sensoriale: l'intensità selvaggia della musica, il Technicolor in tricromia, la sensazione dello spazio (come solo King Vidor sapeva ricreare), l'impiego del «matte painting» e, infine, il duello al sole vero e proprio. Tutto era travolgente. Ne fui impaurito, ricordo di essermi coperto gli occhi  durante la sequenza finale. La qualità allucinatoria di quelle immagini non si è mai attenuata, anche dopo tutti questi anni. Credo che questa esperienza mi abbia segnato per sempre." ~ Martin Scorsese 

"Uno dei miei film preferiti da adolescente era LA REGINA DELLE PIRAMIDI di Hawks. Andavo di cinema in cinema per rivederlo. Ho passato un periodo in cui ero appassionato di storia egizia. Poi FRONTE DEL PORTO ha spazzato via tutto. Non ha spazzato via l'amore per il film, solo il bisogno di rivederlo." ~ Martin Scorsese 

Su FRONTE DEL PORTO di Kazan: "Avevo dodici anni quando vidi FRONTE DEL PORTO. Ne fui sconvolto. Kazan stava forgiando un nuovo stile di recitazione. Aveva l'apparenza del realismo. Ma in effetti rivelava qualcosa nel comportamento naturale delle persone che non avevo mai visto prima: la verità dietro la finzione. «Brando» osservava Kazan, «è l'unico attore che posso definire un genio. Ha quell'ambivalenza che io reputo essenziale per descrivere l'umanità: la forza unita alla sensibilità.» " ~ Martin Scorsese 

"Sono stato studente di cinema tra il 1960 e il 1965, gli anni del massimo fulgore della Nouvelle Vague francese, del successo internazionale del cinema italiano e della scoperta del cinema dell'Europa Orientale. Il cinema di Resnais ebbe su di noi un impatto notevole: ciò che aveva fatto con gli stacchi di montaggio in HIROSHIMA MON AMOUR e L' ANNO SCORSO A MARIENBAD ci faceva sentire liberi." ~ Martin Scorsese 

Su DELITTO PERFETTO di Hitchcock: "Quando sono un po' stanco guardo DELITTO PERFETTO. È come se ascoltassi una fuga di Bach: avete presente quando bisogna indovinare la frase che andrà a seguire, e ci si sofferma su quella che si sta per ascoltare...è lo stesso tipo di piacere. È un film meraviglioso da guardare – una lezione di montaggio – tant'è vero che lo consiglio spesso ai miei studenti. Quando Ray Milland spiega all'ottimo attore che interpreta l'assassino come intende uccidere sua moglie, guardate come Hitchcock cambia l'angolo di ripresa, come cambia il valore delle inquadrature a seconda del dialogo. È qualcosa di molto sottile. Non colloca improvvisamente  un primo piano in mezzo allo schermo; sposta un pochettino la macchina da presa, cambia leggermente il valore dell'inquadratura. È come nella prima parte de GLI UCCELLI, che io trovo più affascinante della seconda. (...) A uno studente di cinema basterebbe guardare i film di Hitchcock, Welles e Ford." ~ Martin Scorsese     

"I miei due film preferiti di Godard sono IL DISPREZZO e QUESTA È LA MIA VITA. Amo anche gli altri suoi film, ognuno di loro è un viaggio, una ridefinizione del cinema e del linguaggio. Ma quelli che mi hanno più emozionato sono senza dubbio quei due. Adoro IL DISPREZZO, i suoi colori, l'uso del Cinemascope. E la sua magnifica tristezza. E in più, ne IL DISPREZZO l'eroe arriva a vendere la sua anima al produttore." ~ Martin Scorsese 

Su OMBRE e su Cassavetes: "È stato QUARTO POTERE che mi ha fatto prendere coscienza di ciò che faceva veramente un regista, ma è stato OMBRE che mi ha dato l'urgenza e il coraggio di provare davvero a fare film. In un certo senso, in termini di stile, nei miei film ho sempre cercato di combinare Welles e Cassavetes. (...) OMBRE di Cassavetes fu un evento enorme per me: una visione di verità quasi insostenibile. Gente che sembra raccolta per strada... Cassavetes era sicuramente il più indipendente di tutti i registi. Per me è stato e resta una guida e un maestro: senza il suo sostegno e i suoi consigli, non so cosa sarei diventato nel mondo del cinema. Ogn volta che incontro un giovane regista avido di consigli gli dico di meditare sulla vita e le opere di Cassavetes. Il suo esempio è fonte di grandissima forza. È grazie a John che ho capito che si poteva davvero fare un film, che di per sé è un'idea folle, perché è un'impresa enorme, della quale non si comprende la dimensione se non quando ci si è già completamente invischiati...ma a quel punto è troppo tardi." ~ Martin Scorsese 

Su I RUGGENTI ANNI VENTI di Walsh: "Alla fine degli anni trenta, arrivò un film cruciale: I RUGGENTI ANNI VENTI  di Raoul Walsh. Questa cronaca dell'età del proibizionismo fu l'ultimo grande film di gangster prima dell'avvento del film noir. Si sovvertiva allegramente la storia di Horatio Alger: il gangster faceva la caricatura del sogno americano. Era la saga appassionante di un eroe di guerra diventato contrabbandiere e della sua caduta dopo il crollo della borsa. Il gangster era diventato una figura tragica. Walsh osò perfino concludere il film su un'immagine semireligiosa che evoca la «Pietà». I RUGGENTI ANNI VENTI  ha ispirato uno dei miei film da studente: IT'S NOT JUST YOU, MURRAY. E mi piace pensare che QUEI BRAVI RAGAZZI discenda dalla stessa straordinaria tradizione che ci ha dato SCARFACE - LO SFREGIATO e I RUGGENTI ANNI VENTI." ~ Martin Scorsese 

"Tarantino è diverso dalla nostra generazione. L'eroe di Tarantino è ironico, non esistenzialista. Se gli capita di ammazzare qualcuno, dice: «Beh, e con questo?» Del resto non credo che sia una grande novità; mi sembra che Godard facesse la stessa cosa nei suoi primi film. Mi è piaciuto LE IENE. L'utilizzo della musica è fantastico." ~ Martin Scorsese 

Su SCARPETTE ROSSE di Powell & Pressburger: "Ho detto e scritto talmente tanto su questo film; per me è sempre stato uno dei più bei film mai girati, e ogni volta che torno a guardarlo – circa una volta l'anno, come anche 8 ½ di Fellini – è nuovo: rivela un altro lato, un altro livello, e raggiunge una nuova profondità. Cos'ha di così speciale? Ovviamente è magnifico, uno dei più bei film in Technicolor mai fatti; dà una sensazione di magia straordinaria – date un'occhiata alla scena in cui Moira Shearer sale i gradini per raggiungere la villa di Anton Walbrook, specialmente dopo il restauro del film: sembra che galleggi su correnti scintillanti di luce e aria. E non c'è nessun altro film che come SCARPETTE ROSSE drammatizzi e renda visivamente l'ossessione per l'arte, il modo in cui può impadronirsi della tua vita. Ma ad un livello più profondo, nel movimento e nell'energia della stessa regia, c'è un enorme, ossequioso amore per l'arte, una fede nell'arte come uno stato genuinamente trascendentale." ~ Martin Scorsese 

Su L'AVVENTURA di Antonioni: "È difficile pensare a un film che abbia una comprensione più potente di come le persone sono legate al mondo che le circonda, attraverso ciò che vedono e toccano e gustano e sentono. Sono consapevole che L'AVVENTURA dovrebbe riguardare dei personaggi «alienati» dal loro ambiente, ma quella parola è stata usata così spesso per questo film e i film di Antonioni in genere che quasi spegne il pensiero. A dire il vero, io lo vedo più che mai come un film su delle persone in un momento di angoscia spirituale: i loro segnali spirituali sono interrotti, ed è per questo che vedono il mondo attorno a loro come ostile e spietato. Visivamente, tematicamente, dal punto di vista drammatico, e sotto ogni altro aspetto, è una delle grandi opere cinematografiche." ~ Martin Scorsese